Daniel Pinilla, Intuiciones (Festina Lente, 2011)

Guitarist Daniel Pinilla is part of the new generation of jazz musicians born in Colombia, the young artists and jazz education programs founded in recent years by the main universities in the country are now coming to fruition. After several years attempting to approach jazz from a local perspective, in which most of the artists tried to bridge jazz and Colombian folk music, young musicians are finding now their own pathways.

Intuiciones is Pinilla’s debut album, a nine track record published by Colombian independent label Festina Lente, one of the most important initiatives supporting local Jazz and avant-garde music. All tracks are composed and arranged by Daniel Pinilla, alternating trio and quartet format. The band is a great sample of the Colombian young talent: Pablo Muñoz (alto sax), Alejandro Fernández (bass), and Santiago de Mendoza (drums). We also have as special guests singer/songwriter Laura Otero and tenor saxophonist Pablo Beltrán on the last song “No más”. All of them are recent college graduates.

“En cimientos” opens the album with a modest but expressive sax melody, accompanied by straightforward guitar chords and a middle pace drumbeat. A sudden harmony and rhythm change surprises announcing the vigorous improvisations, in which Pinilla, Fernández and Muñoz show their very different styles in a balanced and respectful fashion. On “Como en la luna”, a slightly distorted guitar flirts with rock and blues. Then on “Paciencia” and “Cabrilla” the mood goes down to a mellow atmosphere that reminds the elegance of cool Jazz guitar trios.

“El cantor” dives into free improvisation, and “Bajo presión” shows some Colombian-made bebop with a tense phrasing and a remarkable solo by Muñoz on alto sax. “Intuiciones”, the song that tittles the album, is a beautiful guitar solo piece in which Pinilla’s composition sensitivity and technical skills can be fully appreciated. “Quebrada” (creek), takes the band again down through the stream of improvisation and sound exploration.

Finally on “No más”, tenor saxophonist Pablo Beltrán and vocalist Laura Otero join the band to perform a song that evokes the traditional rhythms and chants of the Colombian pacific region, cradle of the rich African-Colombian folklore.

Though Daniel Pinilla’s work might sound a bit eclectic, it is quite cohesive. Intuiciones is an album composed by a Colombian artist that values his roots, and at the same time seeks within his band fellows an international and authentic sound. Unfortunately it’s still hard to find Colombian Jazz available for buying online worldwide, but musicians share tracks for free on social media and personal sites. Shall this review be an open invitation to explore and discover Colombian Jazz, a young music scene that is flourishing with lots of good things to come.

Find out more:

www.myspace.com/danielpinillamusic

www.festinalentediscos.blogspot.com

Bryan Carter, Enchantment (Imaginate, 2011)

Last June a jazz workshop took place at University Sergio Arboleda in Bogotá, Colombia. Among the lecturers were drummer Bryan Carter and his father, Ronald Carter, well known saxophonist and jazz educator. My radio coleagues had the chance to interview them, and after a nice chat Bryan kindly gave them his debut album “Enchantment” to include it into our station’s jazz programming records. I couldn’t meet the Carters personally when they came to Bogotá, but I was assigned to do the radio show introducing Bryan’s album, which I really enjoyed.

The album has eight compositions all written and arranged by Bryan Carter, except for “I see you” and “Rat trace”, by his band mates Philip Kuehn and Mathew Jodrell respectively. Very good mainstream can be listened on Enchantment, bebop and hardbop made on these days. Though Carter is a very young drummer his quintet sounds surprisingly mature; it expresses quite well Bryan´s enchantment by jazz and his passion for it. He just graduated from Julliard and has already performed at several jazz venues in NY, Chicago, St. Louis and abroad the U.S.

The band is a group of talented people, together they achieve an always harmonic sound that goes from soft passages with a few notes, to hot solos with very well constructed melodies, specially those by Jodrell and Viner. Bryan Carter is definitely a promising composer and drummer, for sure we will hear more from his creative mind in the future. I would also recommend checking out other works by his bandmates.

Personnel: Bryan Carter (drums), Donald Vega (piano), Mat Jodrell (trumpet), Philip Kuehn (bass), Jeremy Viner (sax), 

Find out more at www.bryancartermusic.com

Estrenos del Jazz - Polonia 2010

Cuando apenas empezaba a descubrir el Jazz en mis primeros años de estudiante universitario y llevaba  unos pocos  meses en Javeriana Estéreo trabajando como operador de los estudios de grabación, tuve la oportunidad de grabar en varias ocasiones al maestro e ídolo de muchos  programadores  y oyentes de la emisora, y diría yo que también de todos los que se consideran melómanos en este país: Carlos Heredia, realizador del programa Trapecio. En una de esas sesiones, él presentó una versión de Hyperballad, el muy famoso tema de Björk, interpretado por el trío de un pianista polaco llamado Marcin Wasilewski, del cual no tenía idea en ese entonces. Como los turnos de grabación eran de una hora, no era posible escuchar toda la música, entonces me llevé una copia del programa para mi casa, escuché la versión de Hyperballad una y otra vez, en absoluta quietud, tratando de entender (o inventarme) su intención, mensaje, pensamiento...pero no encontré nada, solamente sonido y una avalancha de sensaciones y emociones que aún hoy soy incapaz de describir.

Confieso que nunca he podido con Björk, me cuesta mucho su música, aunque reconozco como se lo merece su gran talento y genialidad, es una precaria (y seguramente lamentable) cuestión de gusto. Esta es la hora en que no he escuchado Hyperballad en su versión original, no sé que dice la letra, ni qué transmitirá la música , no me interesa tampoco, porque no quiero acabar con la pureza de la vesión de Wasilewski, aunque eso no tenga mucho sentido si la autora es Björk...

Esta versión de Hyperballad llevaría a muchos a escuchar a Björk, pero a mí me llevó  a Marcin Wasilewski y al jazz polaco en general. En Polonia se hace jazz por montones y de excelente calidad, tienen la herencia de Chopin y quien sabe cuantos otros cientos de genios de la música clásica, y esa mezcla de melancolía y ansias de libertad de los pueblos invadidios y orpimidos (la misma condición de los afroamericanos que empezaron con el jazz).

Hice un ciclo de programas en donde presenté a cuatro artistas polacos: Soundcheck, Joanna Gajda, Tomasz Stanko (mentor de Marcin Wasilewski), y Pink Freud, quienes sacaron discos en 2010 y tuvieron mucho éxito en Polonia y el resto de Europa.

Aquí les comparto los cuatro programas y aquella versión de Hyperballad.  Les recomiendo de corazón que exploren la música de Tomasz Stanko, el jazzista más influyente de Polonia, y por supuesto el trabajo de Marcin Wasilewski.

¡Na Zdrowie!

Marcin Wasilewski Trio - Hyperballad, del álbum Trio (ECM, 2005)

 

Ciclo: Estrenos del Jazz - Polonia 2010, Javeriana Estéreo 91.9 FM, Bogotá.

Parte I: Soundcheck


Parte II: Joanna Gajda



Parte III: Tomasz Stanko


Parte IV: Pink Freud




 

The Roy Hargrove Quintet - Earfood (Emarcy, 2008)

 

Audio: Especial Earfood -Roy Hargrove Quintet, Javeriana Estéreo 91.9 FM, Bogotá.

Empiezo por darles a mis lectores y oyentes un saludo acompañado de una disculpa por la ausencia tanto en la radio como en el blog -en realidad, más en el blog que en la radio-. Tuve que suspender el programa de Estrenos del Jazz de los viernes en Javeriana Estéreo durante noviembre porque necesité todo mi tiempo libre para darle el último “empujón” a mi tesis de grado – que también trata de Jazz-. Ya estoy al aire de nuevo para compartirles nuevos y buenos discos de Jazz cada semana,  y continuaré amarrando reseñas, comentarios y pensamientos a este Clavijero.

Aunque desde hace varios meses me he dedicado a los estrenos y discos recientes, nunca es mal momento para mirar hacia atrás, recordar y volver a sorprenderse con la música. Esto me sucedió hace unos meses con el álbum Earfood de Roy Hargrove, un disco que había escuchado muchas veces de principio a fin y que no había tenido la oportunidad de presentar en las Tardes de Jazz de  91.9 FM.
 

Su título lo dice todo, es un álbum para alimentar oídos, para generar un placer tan sensorial como el que provoca un plato elaborado con originalidad, delicadeza y sofisticación. Parte de estructuras sencillas, ritmos con mucho soul en algunos casos, y siempre está presente ese equilibrio entre sutileza y poder característico del hard – bop. Hargrove ha tenido desde sus inicios en el Jazz una preocupación por atraer público, formar oídos capaces no solamente de apreciar el género sino de divertirse con él. Earfood es un expermiento que, a mi juico, logra completamente ese propósito. Las melodías fáciles de recordar, los grooves y las excelentes improvisaciones hacen de este disco un trabajo que, aunque le apuesta a la diversión sonora, en ningún momento descuida las intenciones expresivas, no resulta trivial en absoluto.

Para el Jazz no existe un formato mejor que otro, pero personalmente tengo una cierta predilección por los buenos quintetos, aquellos en los que la comprensión entre los músicos es tal que uno escucha los discos en repetidas ocasiones y cada vez encuentra nuevas cosas, nuevas frases, nuevas ideas, esto pasa con el quinteto de Hargrove en Earfood. No es necesario hablar de cada integrante, escuchar el disco lo dice todo. Sin embargo, sí hay que destacar que en este álbum Roy Hargrove realiza un excelente trabajo en la trompeta, su sonido se ha consolidado como algo auténtico, que articula la técnica moderna con la tradición, la expresividad de un registro muy amplio y preciso, y muchas dinámicas en el sonido, elementos difíciles de lograr en los instrumentos de viento.

Este año publicó el álbum Emergence con su Big Band, un disco en el cual  podrán apreciar todo el talento de Roy Hargrove como director, arreglista y por supuesto, trompetista.

Aprovecho para darles un saludo muy especial en este fin de año y agradecerles a todos los que se han puesto en contacto por medio de la emisora y por e-mail. Nada mejor que recibir sus cometarios, sugerencias y recomendaciones musicales. Ya pude habilitar los comentarios en el blog, entonces ¡bienvenidos sean todos!

¡Felices fiestas, mis mejores deseos para el 2011 y que nos sigan acompañando siempre los buenos amigos y la buena música!

John McLaughlin & The 4th Diminsion - To the One (Abstract Logix, 2010)

Audio: Programa Estreno 91.9FM, Bogotá.

Uno de los músicos más importantes en el desarrollo del Jazz contemporáneo, pionero del sonido eléctrico y las fusiones en su más amplio sentido. John McLauglin se ha caracterizado por ser un gran interprete de la guitarra y uno de los improvisadores más versátiles con éste instrumento. Si bien su figura personal es lo suficientemente reconocida, no lo han sido menos sus bandas, las cuales cambia y modifica con mucha frecuencia, factor que lo ha hecho merecedor de muchos aplausos y también fuertes críticas.

Este es un album en el que necesariamente hay que destacar la totalidad del ensamble, y lo hago precisamente porque cada indivuduo que lo compone es de un altísimo nivel técnico. Mark Mondesir en la batería comprende perfectamente las intenciones de la guitarra de McLauglin cargada de riffs veloces y distorsiones estruendosas. El camerués Etienne M'Bappe en el bajo fretless añade profundidad al sonido de la banda y contundencia a la base rítmica sin dejar de aprovechar todas las posibilidades melódicas del bajo eléctrico. Y finalmente tenemos a Gary Husband en el Fender Rhodes y teclados, creando atmósferas armónicas e introduciendo acordes precisos y frases cortas que no dejan de recordarnos que es el Jazz el que está en el fondo de toda la música.

Un excelente disco que recomiendo luego de una ausencia de varias semanas, una muy buena oportunidad para descubrir o regresar a la música de John McLaughlin.El disco es una descarga de técnica y comuniación musical entre los músicos de The 4th Diminsion. Los temas, que en muchos casos conservan una estructura de "canción" son muy agradables de escuchar y resulta sencillo apreciar el sonido de cada instrumento.

Brad Mehldau - Highway Rider (Nonesuch, 2010)

Audio: Programa de estreno Highway Rider, 91.9FM Bogotá.

Un album extenso pero muy coherente, Highway Rider es la muestra de la cima que Brad Mehldau ha alcanzado como compositor. Desde hace varios años nos viene deleitando con sus producciones en formato de trio con Jeff Ballard y Larry Grenadier, sus múltiples colaboraciones de las cuales destaco las realizadas junto a Pat Metheny, y por su puesto su grabaciones y presentaciones en vivo de piano solo en las que lleva su propia música y también la de otros a un nivel de autenticidad y sensibilidad incomparables. Sus versiones de la música de Radiohead y Massive Attack le han dado la vuelta al mundo y han ampliado su público a millones de personas, muchas que incluso no son propiamente amantes del jazz.

Highway Rider está inspirado en la figura del viajero y en la experiencia del viaje, no del viaje común y corriente que simplemente busca entretener unas vacaciones, el viaje espiritual, el viaje a la soledad y a la refelxión. Además de su trio, cuenta con una orquesta de cámara dirigida por Dan Coleman que le  da mucha profundidad a la música de Mehldau. El album fue producido por el muy versátil John Brion, y su trabajo fue determinante al lograr grabar simultáneamente a la orquesta y el trio, poniendolas en un balance que pocas veces logran los proyectos de Jazz y música orquestal. Pero la producción no hubiese sido posible sin los excelentes arreglos para orquesta de Brad Mehldau, un terreno en el que ha incursionado con gran éxito en los últimos años.

Como todas las grabaciones de Mehldau, Highway Rider está cargado de excelente música y pensamientos muy íntimos, y aunque el tema sea el viaje y la soledad, para mí el punto más fuerte, expresivo y sensible es la idea del regreso, el encuentro con el ser amado y muy extrañado en la distancia.

Keith Jarret & Charlie Haden - Jasmine (ECM, 2010)

Audio: Especial Jazz 91.9 FM Javeriana Estéreo, Keith Jarret & Charlie Haden - Jasmine
Nota: El audio puede tardar unos minutos en cargar.

Continúan sorprendiendonos tanto Keith Jarret y Charlie Haden, como el sello ECM con este nuevo disco que se publicó a finales de mayo de 2010. Jasmine es sin lugar a dudas una obra maestra, una lección de madurez, sencillez y pasión por la música y la vida, lección que nos dan estos dos grandes músicos que desde la década de 1960 han venido realizando individualmente una infinidad de experimentos y creaciones artísticas siempre arriesgadas e incluso polémicas, pero de un nivel musical excepcional.

Jasmine está compuesto por ocho temas que forman parte del "cancionero americano", algunos son conocidos standards y otros son temas de amor más recientes como Someday I'll fly away. El formato de dúo de piano y contrabajo ha sido exitoso en varias ocasiones, sin embargo eso no elimina el reto que significa lograr una sonoridad cálida y expresiva con tan solo dos instrumentos, uno de ellos dificil de escuchar para los oídos no educados. Es un disco que no trae virtuosismos ni solos egocéntricos, no pretende poner en frases musicales las complejas reflexiones sobre la existencia  ni mucho menos las viejas y anacrónicas pasiones políticas que identificaron a sus autores en décadas pasadas. Jasmine es un encuentro con la amistad, con aquella experiencia de dialogar con la música, experiencia que solo es posible en el jazz.

Un disco de standards y temas de amor no sería el que más se esperaría de Jarret y Haden, aunque el bajista ya había hecho un experimento parecedio en The art of the song en 1998. Tampoco es algo que uno esperaría del sello ECM, que se ha caracterizado por ir siempre a la vanguardia. Sin embargo Jasmine, en su equilibrio entre lo común y lo único, es capáz de hacer vibrar los huesos, de hacernos pensar sobre el valor de la sencillez, la amistad y también la vejez, ésta última como el momento de detenerse y empezar a recuperar la capacidad o el "sentido" del asombro que parece quedarse en la tierna infancia.

Jarret, quien a sus 65 años ha cambiado de cierta forma su actitud frente a la vida y la música, recomienda de manera muy sincera escuchar este disco en pareja; bien sea dicha pareja de esposos, novios o los amigos que, al igual que Jarret y Haden, se volvieron a encontrar luego de muchos años. Comparto totalmente la recomendación de Jarret, pues es un disco que invita a la conversación desde la primera nota, la conversación libre, espontánea y alegre, llena de recuerdos y emociones. No he tenido la oportunidad de escucharlo acompañado, pero el efecto es el mismo si se escucha solo, es imposible dejar de hacerse preguntas, de conversar con uno mismo.

Definitivamente Jasmine es mucho más que un disco, es un mensaje claro, una invitación a la pausa, al encuentro y al reencuentro con los que hemos olvidado parcialmente, y es también un mensaje para aquellos que creen que con el paso de los años, el asombro desaparece.


Para que entiendan el porqué de esta reseña un poco trascendental, aquí están Keith y Charlie hablando sobre la experiencia de Jasmine.